Guide de Voyage – Le Bauhaus

Guide de voyage complet dédié à l’architecture allemande du Bauhaus, ce livre examine en profondeur plus de 100 sites qui peuvent encore être visités aujourd’hui.

Travel Book

Établi en 1919 à Weimar, le collège Bauhaus pour le design a influencé comme nulle autre le design l’architecture moderne. Divisé en trois zones géographiques qui suivent les emplacements de l’école – Weimar (1919-25), Dessau (1925-33) et Berlin (1933) – ce guide de voyage unique accompagne les lecteurs à travers les plus importants édifices du Bauhaus se trouvant en Allemagne.

Bauhaus

Chaque section présente les sites importants qui ont un passé historique. Ces entrées sont illustrées par des photographies historique et contemporaine et sont accompagnées d’informations touristiques. Tout au long du livre, des articles expliquent les événements et les figures importantes du mouvement Bauhaus. Ce guide est une référence indispensable pour tous ceux qui voyagent et qui aiment l’architecture.

Pour en savoir plus sur le Bauhaus vous pouvez cliquer sur WIKIPEDIA

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7 Bonnes Raisons pour Partir et Voyager

Il y a toujours une bonne centaine de raisons pour ne pas tout laisser tomber et rejoindre immédiatement la destination de ses rêves. Mais il y en a encore plus pour le faire.

Nous avons interrogé les voyageurs sur les raisons qui les poussaient à économiser, à passer des heures à préparer leur périple ou à travailler comme des forcenés afin de pouvoir s’envoler.

Nous partageons ici avec vous les résultats: 7 raisons pour lesquelles vous devriez commencer (ou finir!) de planifier le périple de vos rêves.

1. ESSAYER QUELQUE CHOSE DE NOUVEAU

1

 

2. SE RECENTRER

2

 

3. SE RECONNECTER A LA NATURE

3

 

4. ÉLARGIR SES HORIZONS

5.

 

 

5. RETROUVER CETTE SENSATION QUE TOUT PEUT ARRIVER

4

 

6. CRÉER DES SOUVENIRS

7.

 

7. RELEVER IN DÉFI

The joint work teamwork of two men travelers help each other on top of a mountain climbing team, a beautiful sunset landscape

 

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Comment l’Art Rend votre Shopping plus Fun

Entrez dans un magasin de luxe, et il est probable que vous y trouviez des sacs à main impeccablement conçus, des bijoux éclatant, des montres ou des boucles d’oreilles. Mais ces derniers temps, il est également probable que vous y voyiez des peintures et des sculptures entourant ces articles.

Les boutiques du monde entier concentrent leurs efforts sur l’expérience d’achat, souhaitant la rendre plus personnelle et fun. L’une des meilleures façons d’y arriver à en juger par cette tendance est de le faire avec des oeuvres d’art.

Une collection d’art n’élève pas simplement l’environnement physique; Cela ancre le sentiment d’être dans un espace physique réel, chose que les achats numériques ne peuvent pas reproduire, du moins pas encore. D’un mobile d’Alexandre Calder qui prend du plafond d’une maison de ville de l’Upper East Side à New York à une sculpture en bronze à Rome, voici un panorama rapide de magasins qui mettent l’art en vitrine.

The Apartment by The Line - Los Angeles
The Apartment by The Line – Los Angeles
Material Good - New York
Material Good – New York
Loewe - Madrid
Loewe – Madrid
The Row - New York
The Row – New York
Dries Van Noten - Paris
Dries Van Noten – Paris
Assouline - Paris
Assouline – Paris
Dior - Londres
Dior – Londres

 

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Street Art à Reykjavik/Islande

Je vous propose une petite découverte du Street Art vu dans les rues de Reykjavik!

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Absolument absent de l’Islande il y a quelques années, le Street Art commence à prendre sa place sur les murs de Reykjavik, avec des initiatives comme le festival de la poésie murale. Voici une sélection d’œuvres rencontrées par hasard, avec de belles peintures murales.

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1.3 Le Grand Musée du parfum

Grand Musée du Parfum (Paris)

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Paris a du nez et le fait savoir. Après le Musée Fragonard l’an dernier et le nouvel écrin des Éditions de parfums Frédéric Malle dans le Marais, le Grand Musée du parfum s’inscrit sur la carte olfactive de la capitale.

1. Le Garnd Musée du parfum

Le Grand Musée du Parfum s’étale sur 1.400 mètres carrés, dans un hôtel particulier qui abrita la famille des champagnes Roederer ou encore la maison de couture Christian Lacroix, au 73 de la rue du faubourg Saint-Honoré, quartier du luxe par excellence. Le Grand Musée du parfum se veut à la fois «scientifique, créatif et grand public». Le parcours multisensoriel déroulé sur quatre étages fait le grand écart de l’Antiquité à la parfumerie d’aujourd’hui.

Se déployant dans un hôtel particulier refait à neuf et dans l’immense jardin qui l’accompagne, le Grand Musée du Parfum propose un parcours sensoriel puissant à travers le sens de l’invisible, qui répondra à vos questions les plus diverses. Soyez prêts à en prendre plein le nez ! La scénographie du lieu a été pensée en accord avec les dernières technologies et invite à une véritable immersion dans le parfum et les odeurs. Le parcours suit d’ailleurs trois étapes : “Histoires de parfums”, “Immersion sensorielle” et “L’art du parfumeur”.

Les Histoires de Parfums, au sous-sol, revient sur la chronologie des parfums, qui débute dès l’Antiquité avec l’utilisation de plantes à parfums dans la Vallée du Nil, leurs utilisations (sacrées, thérapeutiques puis aphrodisiaques) et aborde la montée de Grasse et Paris dans l’art de la parfumerie.

1.1 Le Garnd Musée du parfum

Dans la galerie des Séducteurs se dévoilent 7 récits de couples fictifs ou réels, où le parfum joue un rôle déterminant, comme dans l’esprit de conquête qui lie Cléopâtre à Marc Antoine. Le sacré se mêle au pouvoir et au poison. Trois coupelles permettent de sentir la myrrhe, l’encens et l’oliban, sources sacrées d’immortalité de l’Égypte ancienne. Une salle voûtée dévoile des parfums aux vertus protectrices, curatrices ou rajeunissantes. Des flacons illustrent le rapprochement de la couture et du parfum dès 1930.

À l’étage, des poires permettent d’inhaler les odeurs et un bouquet de roses ouvre la porte de la chimie du parfum. Voilà l’odeur naturelle, constituée de 400 molécules, remplacée par 3 éléments de synthèse en laboratoire. Vous découvrirez le lien entre odorat et émotions, comment notre mémoire retient les odeurs. Des écrans vous guident de la réception au cerveau jusqu’à celle des narines.

Passez par le Jardin des Senteurs, qui cueille grâce à des capteurs de présence, des parfums figuratifs. Testez votre mémoire olfactive sur le Sofa des Confidences. Des bornes interactives encouragent à jouer aux devinettes, à reconnaître le basilic, le feu de bois ou encore la cannelle.

Le 3e niveau rend hommage à l’art du parfumeur. Vous pouvez prendre en main l’une des 25 sphères recelant une matière première de la parfumerie. Sur des écrans, des maîtres de la parfumerie répondent aux idées reçues ou à des questions que se pose le public.

Après cette visite, le musée nous propose de redécouvrir en odeur tous les parfums iconiques du marché actuel, dans une boutique-librairie qui nous laisse rêveurs. Aux beaux jours, l’immense jardin du musée sera certainement le plus couru du faubourg Saint-Honoré à condition de s’acquitter du droit d’entrée au musée.

 

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Rédaction C.S

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3.1 Ludwing Van

Exposition Ludwig Van – Le Mythe Beethoven

Exposition du 14 Octobre 2016 au 29 Janvier 2017 au Philharmonie (Paris)

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Pourquoi la musique de Beethoven est-elle utilisée si régulièrement par les publicités des grandes marques dans le monde entier ? Et par quels incroyables détours le destin individuel du musicien s’est-il mué en récit politique universel, au point d’accompagner les deux Guerres mondiales, l’investiture de François Mitterrand, la chute du mur de Berlin, la création de l’Europe et les récents hommages aux victimes des attentats du 13 novembre 2015 à Paris ?

3. Ludwing Van

Toutes ces initiatives montrent la permanence de l’œuvre de Beethoven, dont la vie et la postérité sont devenues de véritables phénomènes, dépassant largement le cadre de la culture.

Plus qu’une exposition, la Philharmonie de Paris nous propose de découvrir la fabrique d’un génie à l’épopée grandiose. De Gustav Klimt aux Beatles, de Dali à Godard, plus de 250 œuvres visuelles et sonores témoignent de l’influence considérable que Beethoven a pu avoir, au fil des siècles, sur les générations qui lui ont succédé. Son physique fougueux hante les artistes qui le dépeignent avec passion, ses convictions libertaires annoncent une Europe moderne et son talent pose les bases de la modernité dans l’art.

Et si vous pensiez ne pas connaître la musique classique, vous risquez d’être bien surpris : les pubs pour Canal +, Quick ou les biscuits Delacre, c’est lui, Poème sur la 7e de Johnny Hallyday, Ma lou Marilou de Serge Gainsbourg et Will you be there, de Michael Jackson, c’est aussi Beethoven. Et c’est encore lui qui nous transporte dans Le Gamin à vélo des frères Dardenne et Elephant de Gus van Sant. Un véritable voyage dans le temps à la rencontre de l’histoire de la musique moderne, depuis les premières notes de piano jusqu’à l’aura éternelle et légendaire de Ludwig van Beethoven.

L’exposition se visite avec un audioguide offrant un très riche parcours sonore : extraits de lettres de Beethoven, témoignages de ses proches ou de ceux qu’il a fascinés, extraits musicaux permettant de découvrir la richesse de l’œuvre du compositeur et de ceux qu’il a inspirés jusqu’à aujourd’hui.

La surdité du compositeur joue un rôle fondamental dans la construction du mythe beethovénien : comment appréhender la musique quand l’oreille ne fonctionne plus ? L’exposition proposera une expérience d’écoute originale, en mobilisant les sens du visiteur à travers un dispositif d’écoute solidienne, c’est-à-dire par conduction osseuse.

 

BIOGRAPHIE LUDWIG VAN BEETHOVEN
Né à Bonn (Allemagne) le 17/12/1770 ; Mort à Vienne (Autriche) le 26/03/1827

Compositeur hors pair, Ludwig van Beethoven a marqué l’histoire de la musique. S’affranchissant des règles classiques, il ouvrit de nouvelles perspectives dans la composition musicale et jeta les bases du romantisme. Son tempérament fougueux, son don pour l’improvisation et son incroyable capacité à composer alors qu’il avait perdu l’ouïe en ont fait un personnage de légende.

3.2 Ludwig
Ludwig Van Beethoven

Ludwig van Beethoven est né en Allemagne, en décembre 1770. Son père, lui-même musicien, rêvait d’en faire un Mozart et l’aurait obligé à pratiquer le clavier dès quatre ou cinq ans. Même si le jeune Ludwig n’était pas un enfant prodige, il présentait d’excellentes dispositions musicales. Son père lui donna une éducation musicale qui fut ensuite complétée par le compositeur Neefe. Celui-ci était convaincu qu’il deviendrait un grand homme.

Dès 14 ans, sa virtuosité exceptionnelle lui permet de gagner sa vie grâce à sa musique. Génie précoce, il compose déjà ses premiers concertos et quatuors à cordes. À Vienne, il éblouit, se surpasse et déroute par ses improvisations fougueuses sur toutes les scènes. Mais alors que vient la consécration, et à moins de 30 ans, Beethoven est victime du pire des maux pour un musicien, la surdité. Le virtuose désespéré se retire de la scène pour se lancer à corps perdu dans la composition. Avec force, acharnement au travail, et un courage exemplaire, il parviendra au triomphe avec ses créations si puissantes qu’elles faisaient pleurer les foules, mais que, lui, ne pouvait entendre…

 

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Rédaction C.S

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2.12 Centre International de l'Art Parietal

Centre International de l’Art Parietal (Montignac)

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Découverte en 1940 par 4 adolescents, la grotte de Lascaux a été fermée au public en 1963. Chef-d’œuvre de l’art rupestre, elle est un site préhistorique de référence internationale, classé au titre des Monuments historiques. Il y a environ 20 000 ans, les hommes de Cro-Magnon peignaient chevaux, bovins ou rhinocéros sur les parois de cette grotte. Un incroyable bestiaire, fort de 615 animaux, des dessins 4 à 5 fois plus vieux que la pyramide de Khéops ! Ces œuvres, d’une précision et d’une beauté incroyables.

2.1. Centre International de l'Art Parietal

Aujourd’hui, le Centre international de l’art pariétal de Montignac (Dordogne), situé sur la colline de Lascaux, près de la grotte originale, propose au grand public une reproduction virtuelle des peintures et gravures rupestres. Dans ce bâtiment-paysage qui se développe en longueur sur une emprise d’environ 11 400m2, et d’une hauteur moyenne de 8 mètres, les visiteurs pourront découvrir l’intégralité de la grotte de Lascaux reproduite avec les techniques et le savoir-faire de l’Atelier des Fac-Similés du Périgord.

Afin de laisser place à la contemplation, l’atmosphère de la grotte originale a été recréée, que ce soit au niveau de la température, de l’humidité, de l’éclairage ou des sons. À la sortie de la grotte, le visiteur parcourt différents espaces permettant de mieux comprendre la grotte de Lascaux. Parmi ces espaces, « l’atelier de Lascaux » permet d’approfondir la compréhension des oeuvres, en mêlant expériences numériques et interactives et étude des principaux panneaux reproduits.
« L’espace d’orientation »propose au travers d’un mur d’images, un hommage aux découvreurs de la grotte originelle. « Le théâtre de l’art pariétal » présente les travaux des préhistoriens du XIXe siècle à nos jours. La salle de cinéma propose un voyage en 3D au coeur de Lascaux ainsi que la découverte des sites d’art pariétal à travers le monde. « La galerie de l’imaginaire » explore les liens entre art pariétal et art moderne. Une dernière salle est consacrée à des expositions temporaires d’artistes contemporains.

Combinant une haute exigence scientifique et une véritable volonté d’accessibilité pour tous les publics, le site invite les visiteurs à ressentir l’émotion authentique de la grotte originale, à apprendre à l’observer, à la questionner et à réfléchir au contexte environnemental et culturel dans lequel elle a été réalisée. Tout au long du parcours, le visiteur est accompagné par “le compagnon de visite” (un dispositif interactif individuel) et est en mesure de recueillir des contenus adaptés à son âge, à son niveau de connaissance, aux thématiques qui retiennent son intérêt.

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Rédaction C.S

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Déshabillez-moi ! Les Costumes de la Pop et de la Chanson - Centre National

Exposition – Déshabillez-moi ! Les Costumes de la Pop et de la Chanson

Exposition du 15 Octobre 2016 au 05 Mars 2017 au Centre National du Costume de Scène (Moulins)

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Le Centre national du costume de scène à Moulins célèbre ses 10 ans et clôture cette année anniversaire en chanson avec l’exposition événement Déshabillez-moi ! Les costumes de la pop et de la chanson.

Déshabillez-moi ! Les Costumes de la Pop et de la Chanson - Centre National 3

A travers des tenues de scène emblématiques, l’exposition retrace un siècle de musique pop. Du Music-Hall, au temps des yéyé, du disco au rock’n’roll, mais aussi la culture rap et la folie électro. C’est l’occasion de raviver votre âme de groupie et de montrer vos idoles à votre progéniture.

Stéphane Malfettes, commissaire de l’exposition, explique : « L’ambition de l’exposition est de mettre à nu le costume. Celui-ci est d’abord une conquête. Celle de la visibilité. Pour sortir de l’ombre et apparaître sous les feux de la rampe, les vedettes du Music-Hall, les idoles yéyé, les célébrités du disco, les légendes de la variété, les héros du rock’n’roll, les stars du rap, les papes de l’électro endossent des tenues qui, au premier coup d’oeil, les distinguent du commun des mortels. Plus ou moins spectaculaires, leurs métamorphoses scéniques cherchent à rendre visible la musique, lui donner une image et un corps. Loin d’être secondaire, l’apparence est ainsi un élément constitutif de l’expression musicale, un trait d’union entre le public et l’artiste »

A travers un riche parcours avec 13 salles thématiques, vous passez de l’univers du music-hall à celui de l’opérette. Une salle est aussi consacrée à la « pop Couture » avec les créations de Jean-Paul Gaultier pour Madonna ou les collaborations et collections capsules lancées par Rihanna, Kanye West ou Pharrell Williams. Les tenues noires sont également très prisées par les artistes avec les robes d’Edif Piaf et de Barbara ou la génération des blousons noirs.

Déshabillez-moi ! Les Costumes de la Pop et de la Chanson - Centre National 2

Le parcours se termine avec une salle entièrement dédiée à un artiste majeur de la scène française actuelle : Matthieu Chedid et son double exubérant sur scène -M- ! Sorte de super-héros extraverti, dont la coiffure détonante, les lunettes customisées et les costumes multicolores sont immédiatement reconnaissables.

 

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La Peinture Américaine des années 1930 Orangerie

Exposition – La Peinture Américaine des Années 1930

Exposition du 12 Octobre 2016 au 30 Janvier 2017 au Musée de l’Orangerie (Paris)

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Le 29 octobre 1929, la Bourse de New-York s’effondre et plonge les Etats-Unis dans une crise économique sans précédent. Cette période d’insécurité et de troubles sociaux, la Grande Dépression, marquera l’histoire du pays, dont les habitants, désabusés, perdent leur foi dans le progrès et le rêve américain. C’est cette période instable de remise en question que l’exposition du musée de l’Orangerie se propose d’explorer.

La Peinture Américaine des années 1930 Orangerie 2

Les artistes américains explorèrent ces temps difficiles, qui touchèrent avec la plus grande violence les mondes industriels, urbains et ruraux, le climat amplifiant d’ailleurs plusieurs années cette extrême précarité générale, questionnèrent, c’est fréquemment le cas en période de crise, l’identité américaine, tentant d’exprimer et de définir l’art de cette nation encore assez jeune.

Le musée de l’Orangerie aborde une période fort mal connue de l’art américain, pour la première fois en France, une exposition réunit une cinquantaine de toiles américaines rarement ou sinon jamais vues, telle l’emblématique American Gothic, de Grant Wood (un fermier, mine renfrognée et fourche en main, et sa fille). Célébrissime, la toile réaliste traverse l’Atlantique pour la première fois, et sera exposée en compagnie d’œuvres de Georgia O’Keeffe, Paul Cadmus, Edward Hopper et bien d’autres.

En quelques chapitres (« L’histoire revisitée», « Cauchemars et réalités », « Vers un art moderne américain »…), on savoure cette belle saga qui va de toiles méconnues de Philip Guston à celles, emblématiques, d’Edward Hopper et de Jackson Pollock.

 

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Andres Serrano - MEP

Exposition – Andres Serrano

Exposition du 09 Novembre 2016 au 29 Janvier 2017 à la Maison Européenne de la Photographie (Paris)

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Puisque tout le monde parle de Donald Trump, venez donc le voir en vrai : c’est l’un des premiers portraits géants de la série America développée par Andres Serrano, et qui fait côtoyer, avec une pointe de mauvais goût dans l’accrochage, des anonymes du Ku Klux Klan avec des figures des Black Panthers, une Little Miss avec un Native American entièrement maquillé et coiffé de plumes.

Andres Serrano - MEP 2

Cette série est l’une des plus emblématiques de son travail. C’est donc par la grande porte que l’on pénètre l’univers insolent de cet artiste touche-à-tout, qui donne de l’Amérique une vision panoramique, des plus puissants aux plus démunis.

La deuxième partie de l’exposition s’organise autour de son travail sur les sans-abri, avec une installation de son projet Signs of the Times — des pancartes en carton des sans-abri qu’Andres Serrano a recueillies —, ainsi qu’un ensemble de portraits new-yorkais, Nomads et Residents of New York, et bruxellois, Denizens of Brussels, dont une partie est révélé en France pour la première fois.

Par son regard unique et par la force de ses photos, Andres Serrano nous invite à regarder et à réhumaniser ces hommes et ces femmes devenus invisibles aux passants que nous sommes.

Comme l’artiste l’avait expliqué en 1990, en réalisant sa série Nomads : « J’avais besoin d’être confronté à mes propres malaises quant aux conditions sociales qui envahissent tous les centres urbains. Nous passons tant de temps à ne pas regarder ces gens. Je voulais montrer leur dignité, celle des indiens d’Edward Sheriff Curtis au XIXe siècle, et les réintroduire dans la société dont ils avaient été bannis. »

Ces portraits monumentaux résonnent actuellement avec une intensité particulièrement forte, dans une Europe face à la crise des réfugiés et dans laquelle se développe parfois la peur de l’autre.

 

BIOGRAPHIE D’ANDRES SERRANO

Né en 1950 à New York. Andres Serrano fait ses études d’art à la Brooklyn Museum Art School de New York de 1967 à 1969, mais décide très vite de “transporter un appareil photo plutôt que des pinceaux, des toiles et des châssis”.

Photo de Andres Serrano
Photo de Andres Serrano

Considérés comme profondément provocateurs, les clichés d’Andres Serrano mettent l’accent sur les tabous que cherche à cacher l’Amérique puritaine. La mort, le sexe, la religion et les problèmes sociaux sont les thèmes principaux que le photographe explore à travers la figure du corps. Devenu célèbre avec le scandale suscité par son œuvre Piss Christ, une image d’un crucifix en plastique baignant dans l’urine. L’exposition de ses photos réalistes et violentes a parfois entraîné l’application de la censure aux Etats-Unis, à la suite de campagnes organisées par des mouvements puritains. Le travail photographique de Serrano fait partie des plus grandes collections publiques du monde (Whitney Museum of Contemporary Art, New York, Institute of Contemporary Art, Boston, Modern Art Museum, Fort Worth, Reina Sofia, Madrid, New Museum of Contemporary Art, New York…).

 

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Rédaction C.S

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